Diese Designer glauben, dass traditionelle Handwerkskunst die Zukunft der Mode ist

Lernen Sie die neuen Namen und etablierten Marken kennen, die sich für eine viel langsamere Produktionsform entscheiden

Am ersten Montag im Mai dieses Jahres ächzten die Stufen des Metropolitan Museum of Art in New York unter der Last perlenbesetzter Schleppen, gefiederter Umhänge und menschengroßer Hommagen an eine Katze namens Choupette. Zu den gigantischen Kleidern, die als Hommage an den verstorbenen Karl Lagerfeld kreiert wurden, gehörte ein ganz in Weiß gehaltenes, übernatürliches Ensemble, das Róisín Pierce in ihrem Atelier in Irland in mühevoller Handarbeit angefertigt hatte. Es wurde von Alexa Chung getragen und verkörperte, vielleicht unbemerkt von vielen Zuschauern des Abends, ein Gefühl, das sich in den Kollektionen der vielversprechendsten jungen Modedesigner widerspiegelt. Unter diesen neuen Namen gibt es einen gemeinsamen Ansatz, der die Rückkehr zu traditionellen Formen des Handwerks und damit einer viel langsameren Produktionsform beinhaltet. Ihre Kollektionen legen nahe, dass wir zur Gestaltung unserer Zukunft in die Vergangenheit zurückkehren müssen.

Chungs Outfit für die Veranstaltung war ein Look aus Pierces dritter Kollektion „Two For Joy“ und bestand aus einem Oberteil und einem Rock, die so aufwendig gefertigt waren, dass es fast unmöglich ist, den Gesamteffekt zu beschreiben. Sogar Pierces technische Beschreibung, wie sie jedes Stück geschaffen hat, ist von Natur aus poetisch: „Der Look, den Alexa trug, wurde mit unserer zeitgenössischen Handarbeit gefertigt, die im eigenen Haus entwickelt wurde. Patchwork-Schnitte aus Satin-Krepp und zarten Blumen-Stern-Organza-Stickereien sind aufwendig geschichtet.“ , verdreht, gesmokt und manipuliert, wodurch komplizierte, weiche Blumenskulpturen entstehen, die sich kräuseln. Handapplikationen wurden in einem ätherischen Schichteffekt aus zarten Bio-Blumen und schwebenden Schleifen aus alten Materialien verwendet.

Bei diesen Techniken geht es jedoch nicht nur um das Endergebnis; Pierces Prozess ist von Natur aus politisch. Jede Kollektion wird ausschließlich in Weiß hergestellt, was laut Pierce den Schwerpunkt auf die „Neugestaltung und Weiterentwicklung älterer Techniken“ legt. Für Pierce ist Weißstickerei so viel mehr als nur Stickerei; Sie hat das Gefühl, dass ihre eigene Praxis einer „Kunstform, die typischerweise als weiblich kodiert und [daher] als minderwertig angesehen wird“, neuen Respekt verleiht. Ich sehe diese Handwerke sowohl als unterdrückend als auch als befreiend für Frauen an – unterdrückend aufgrund der politischen und religiösen Regime Sie wurden unter Berücksichtigung ihrer Position als Werkzeug für finanzielle Freiheit in schwierigen Zeiten geschaffen und sind befreiend. Ich interessiere mich für dieses empfindliche Gleichgewicht und dafür, Geschichten über weiblichen Widerstand und Ausdauer zu erzählen.“ Durch die Untersuchung der irischen Techniken ihrer Vorfahren und deren Einsatz, um etwas völlig Modernes zu schaffen, teilt Pierce mit ihrem Designerkollegen Ibrahima Gueye eine Erkundung des Erbes.

Gueye wurde im Senegal geboren, wo er das Nähen lernte, indem er seiner Mutter zusah. Heute lebt er in Mailand und arbeitet für Versace. Er nutzt seine eigene Arbeit weiterhin, um verschiedene Aspekte seines afrikanischen Erbes zu erforschen. Insbesondere beginnt er, die Geschichten, die traditionelle Kleidung erzählt, neu zu schreiben. Sein Hauptaugenmerk liegt auf dem Béthio, einer Art gewebtem Lendenschurz, den Frauen als Mittel zur Verführung in der Ehe tragen. Gueye hat es in Form auffälliger, mit Fransen besetzter Kleider neu interpretiert, die meisterhaft am Körper geschnitten sind – sie scheinen die Form gleichzeitig zu offenbaren und zu verbergen.

„Die Kunst der Verführung ist eine der ältesten Waffen, die Frauen in den meisten patriarchalischen Gesellschaften besitzen, daher war es für mich naheliegend, diesen traditionellen Archetyp zu nutzen, um die Geschichte dieser Sammlung aufzubauen“, sagt er. Die Geschichte basiert auf der jährlichen Simb-Zeremonie, bei der als Löwen (und oft auch als Löwinnen) verkleidete Männer auf die Straße gehen, um an einem symbolischen, von Mystik durchdrungenen Tanzkarneval teilzunehmen. Es ist etwas, das Gueyes Fantasie gefesselt hat, insbesondere aufgrund seiner Darstellung von Geschlecht und Männlichkeit in einem Land, das Homosexualität und Transidentität kriminalisiert.

„In den meisten afrikanischen Ländern definiert das Geschlecht die Sexualität. Ich wollte die Diskussion mit einer subtilen Provokation eröffnen, um Pluralität zu hinterfragen und zu verteidigen. Sie war schon immer da, aber auch heute noch wird sie dämonisiert, also … habe ich beschlossen, sie zu nutzen.“ traditionelle Archetypen und Techniken, aber aus einem anderen Blickwinkel präsentiert.“ Er hat bereits Stücke für Lori Harvey und Candice Swanepoel entworfen und verwendet, genau wie Pierce, Upcycling-Materialien, um Abfall so gering wie möglich zu halten.

Obwohl Upcycling für viele Designer mittlerweile zur Standardpraxis gehört, heißt das nicht, dass es nicht immer noch eine Aussage machen kann. Xylk Lorena, einfach als Xylk bekannt, ist der Kopf hinter Grocery Bags, einem Phänomen, bei dem er unter anderem philippinische Einkaufstaschen als Leinwand verwendete, um große, lebendige Bilder berühmter Luxustaschen wie Hermès Birkins und Louis Vuittons Keepall zu drucken Bandoulière-Reisetaschen. Mit einer berauschenden Mischung aus Kreativität, Humor und – um es mal ganz deutlich zu sagen – Mumm gingen die 34-Pfund-Shopper von Xylk schnell viral und waren um ein Vielfaches ausverkauft. Für ihn, genau wie für Pierce und Gueye, war der bloße Akt der Herstellung seiner Entwürfe von einem Gefühl des Trotzes durchdrungen.

„Die Einkaufstüten bestehen aus recyceltem Polypropylen, das zu Streifen aus neuem Kunststoff verarbeitet und dann zu einer Folie gewebt wird, die wir dann bedrucken. Sobald das Design auf das neue Material gedruckt ist, schneiden und nähen wir die Tüten von Hand. Gutes Design.“ löst alles, deshalb denke ich, dass Innovation die Grenzen der Zugänglichkeit verwischen und Türen dafür öffnen kann, wer was tun kann. In meinem Fall kann jetzt jeder durch Humor eine 100.000-Pfund-Tasche haben.“

Sein Versuch, die Mode zu demokratisieren, geriet jedoch im Februar dieses Jahres in Gefahr, als er feststellte, dass sowohl seine Instagram- als auch seine Shopify-Seiten ohne Erklärung entfernt worden waren. „Ich sehe es wie ein schlechtes Foul des Schiedsrichters während eines Basketballspiels“, sagt Xylk. Letztendlich weiß ich, worauf ich mich eingelassen habe, und verstehe die Konsequenzen, die das mit sich bringt.“ Nachdem sein Online-Shop wieder in Betrieb ist, konzentriert er sich auch auf andere Projekte wie LiFE DESiGN, das er als „die erste Luxus-Streetwear-Marke“ beschreibt, die herauskam der Philippinen".

Dabei handelt es sich jedoch nicht nur um eine führende Handwerkskunst der neuen Generation. Natürlich gibt es viele Traditionsmarken, die seit Jahren traditionelle Herstellungstechniken einsetzen. Johnstons of Elgin zum Beispiel ist eine der letzten verbliebenen vertikalen Mühlen im Vereinigten Königreich, wo seit über 225 Jahren einige der feinsten Kaschmir- und Merinowollprodukte hergestellt werden. Die Faser stammt aus der Mongolei und China, aber jeder Schritt des Produktionsprozesses wird in der Fabrik durchgeführt und ist daher viel langsamer als bei einigen seiner Mitbewerber. Dies ist natürlich grundsätzlich nachhaltiger als allgemeiner Ansatz.

„Es ist möglich, Kaschmir in ein paar Wochen in einen Schal umzuwandeln, wenn er die Mühle ununterbrochen verarbeitet, aber in der Praxis ist der Herstellungsprozess so komplex, dass er sehr ungewöhnlich ist“, sagt Chris Gaffney, Geschäftsführer von Johnstons. Kürzlich wurde der Marke der B-Corp-Status verliehen, der geschäftliche Transparenz unter Betonung ökologischer und sozialer Faktoren erfordert. Neben der nachhaltigen Produktion kommt Johnstons auch der örtlichen Gemeinde zugute, da das Unternehmen in seinen Werken in Elgin und Hawick in Schottland über 1.200 Mitarbeiter beschäftigt und letztendlich wirtschaftliche und soziale Vorteile in einer ländlichen Umgebung bietet, die sonst möglicherweise nicht verfügbar wären.

Ebenso ist Maison Michel eine Hutmacherin, die 1936 gegründet wurde und zum Métiers d'art-Kollektiv von Chanel gehört, das das Können und die Kunstfertigkeit von Stickern, Federmachern, Blumenmachern, Goldschmieden, Faltenlegern, Schuhmachern und Hutmachern würdigt, um nur einige zu nennen.

„Bei jedem Schritt der Art und Weise, wie traditionelle Herstellungstechniken und Handwerkskunst involviert sind, bleibt eine Idee eine Idee, in der Luft und nicht geerdet“, sagt Priscilla Royer, künstlerische Leiterin. „Normalerweise entscheide ich mich für die Hüte nach eigenem Ermessen, ob ich sie in dieser Saison hart oder sehr geschmeidig haben möchte, und von dort aus gehen wir weiter.“

Sie arbeitete 2019 eng mit Pierce zusammen, als der junge Designer als einer von zehn Finalisten im Rennen um Chanels ersten Prix de Métiérs d'Art ausgewählt wurde. Bei dem Preis werden zehn Designer mit einem Atelier zusammengebracht, um eine kleine Kollektion zu produzieren. Pierces aus reiner weißer Spitze gefertigte, der Schwerkraft trotzende Hüte waren es, die den Preis in Höhe von 20.000 Euro gewannen. „Sie kam mit sehr überzeugenden Ideen, ohne zu wissen, dass man sie umsetzen kann oder wie. Ich habe sie einfach durch den Prozess geführt“, sagt Foyer. Johnstons hat gerade mit einer jungen Designerin namens Sabina Savage an einer Kollektion von Kaschmirstolen zusammengearbeitet.

Durch die Förderung dieses jungen Talents tragen Johnstons of Elgin und Maison Michel dazu bei, die jahrhundertealten Handwerkstechniken zu bewahren, die das Herzstück ihrer Unternehmen bilden. Dieser Ansatz wird durch Fast-Fashion-Marken und die in der Gesellschaft so tief verwurzelte Massenproduktion bedroht. Aber genauso gibt es auch eine neue Generation von Prominenten, die sich dafür entscheiden, auf Bestellung gefertigte Stücke von aufstrebenden Marken und aufstrebenden Designern zu tragen, anstatt sich an ein großes Modehaus zu wenden. Da ist Dreaming Eli, gegründet von Elisa Trombatore, die alle ihre Stücke von Hand herstellt, von denen einige von Rita Ora und Munroe Bergdorf getragen wurden.

„Zur Handwerkskunst zurückzukehren bedeutet, die grundlegende Verbindung zwischen Mode und Kunst wiederherzustellen“, sagt Trombatore. „Durch eine handgefertigte Produktion geben wir der Geste der Unreproduzierbarkeit des Schaffens in einer Gesellschaft, in der alles reproduziert werden kann, wieder Wert.“

Ellie Misner, eine weitere in London ansässige Designerin, verwendet ebenfalls das auf Bestellung gefertigte Modell. Während der Pandemie begann sie mit dem Upcycling alter Korsetts und kreiert nun Kleidung, die von Natur aus integrativer ist. „Ich war schon immer so begeistert von der Idee, dass ein Kleidungsstück so hergestellt wird, dass es sich perfekt an den Körper anpasst, und nicht umgekehrt“, sagt sie. „Ich mache Couture für alle, nicht mehr nur für dünne Körper (und das sollte auch nicht sein).“ Kürzlich hat sie Dove Cameron für die Barbie-Premiere eingekleidet und zählt Paloma Elsesser, Ellie Goulding und Paloma Faith zu ihren weiteren berühmten Fans.

Man kann die Bedeutung einer solchen Präsenz für diese Marken kaum genug betonen, was Ivy Kirk, eine in New York ansässige Designerin, aus erster Hand herausfand, als eine ihrer Blusen für eine Episode von And Just Like That ausgewählt wurde und von der Figur Charlotte getragen wurde. Kirk lässt sich hauptsächlich von Handarbeitstechniken des 19. Jahrhunderts inspirieren und fertigt die meisten ihrer Stücke aus gebrauchten Materialien an. Alles wird in einer kleinen Werkstatt in New York City von Hand gefertigt und Kirk sagt, sie betrachte ihre Kleidung als „zukünftige Erbstücke“. Die Kostümdesigner von AJLT baten sie, eine Bluse basierend auf einem ihrer Kleider anzufertigen, aber sie wusste nicht, dass diese tatsächlich in der Show verwendet wurde, bis sie sie auf der Leinwand sah.

„Ich war so aufgeregt, als ich sah, dass es den Durchbruch geschafft hatte“, sagt Kirk. „Diese Art der Präsenz ist unglaublich wichtig. Als kleine Marke kann es schwierig sein, eine Präsenz zu erreichen, die ein so breites Publikum erreicht. Das Interesse ist stark gestiegen, aber leider sind wir sehr zurückhaltend, da es sich bei den Stoffen um tote Lagerbestände handelt.“ Die Stückzahl, die wir herstellen können, ist begrenzt. Aus diesem Grund ist es jedoch noch spezieller.

Kann dieses auf Bestellung gefertigte Modell wirklich eine legitime Alternative zur unerbittlichen Modemaschine darstellen? Die sozialen Medien haben definitiv dazu beigetragen, uns davon zu überzeugen, dass die Antwort „Ja“ lauten könnte. In den letzten Jahren hat es sich zu einem Raum entwickelt, in dem sich überwiegend von Frauen gegründete Marken etablieren und bewerben können. Marken wie Olivia Rose The Label, gegründet 2017 von Olivia Rose Havelock, die begann, Stücke in ihrem Schlafzimmer herzustellen. Mittlerweile zählt sie Selfridges zu ihren Fachhändlern, hat ein Studio in Edinburgh – stellt aber immer noch jeden Artikel von Hand her. MaisonCléo, das französische Label von Marie Dewet, verwendet ausschließlich Stoffreste von französischen Couture-Häusern und -Fabriken. Es wurde regelmäßig von Emily Ratajkowski getragen und ist daher so etwas wie ein Instagram-Hit geworden. Das Label stellt von jedem Stück nur begrenzte Auflagen her, arbeitet aber auch an exklusiven Drops mit einigen der einflussreichsten Modehändlern, darunter Net-à-Porter, Selfridges, Le Printemps und Opening Ceremony.

Allen diesen Designern ist gemeinsam, dass ihre Kleidung von Natur aus politisch ist. Ob Pierce die „Frauenarbeit“ zurückerobert, Ibrahimas Auseinandersetzung mit Geschlecht und Sexualität oder Xylks Ablehnung eines Systems, das er als elitär und ausschließend empfindet – der Einsatz langsamerer, traditionellerer Handwerks- und Produktionsformen ermöglicht es ihnen, diese Ideen zu erforschen und etwas zu schaffen etwas völlig Neues, ohne die verheerenden Auswirkungen auf die Umwelt, die normalerweise mit diesem Prozess einhergehen. Und was noch wichtiger ist: Ganz gleich, ob es sich um Demi-Couture oder die zeitgenössischeren Designs von Olivia Rose The Label handelt, diese Kleidung hat einen Geist, eine Seelenfülle, die die Idee des Wertes wiederherstellt. Wie Trombatore sagt: „Um echte Veränderungen herbeizuführen, brauchen wir eine Revolution in der Art und Weise, wie Mode hergestellt und wahrgenommen wird. Kleidung zu haben, die sich leicht reproduzieren lässt, zerstört den gesamten Wert dieses Stücks – warum sollte mir ein Kleid so wichtig sein, wenn ich …“ „Wissen Sie, dass ich jederzeit ein anderes, genau das gleiche kaufen kann?“ Pierce stimmt zu und weist darauf hin, dass „diese Haltung der Wegwerfmode wirklich beängstigend ist. Allerdings denke ich auch, dass die Leute Authentizität spüren können. Meiner Erfahrung nach macht es den Kunden nichts aus, acht Wochen auf die Anfertigung eines maßgeschneiderten Stücks zu warten. Es muss nicht alles so schnell gehen.“ und sofort. Wo ist die Freude daran?“

Vielleicht ist Freude die Antwort; Wir müssen die Freude an Kleidung wiederentdecken, aber nicht als Wegwerfware. Aber Pierce – und ihre Handwerkskollegen – sind entschlossen, die Freude wiederherzustellen und uns in eine Zeit zurückzubringen, in der Stoff kostbar war. Eine Zeit, in der Kleidung etwas war, in dem man leben, es lieben und vor allem behalten konnte.

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